gudrun 现场 第六届明天音乐节：跨越时空的音乐体验

在今年的深圳明天音乐节上，放映了一部Hisham Mayet拍摄的纪录片《跨撒哈拉高速公路的音乐社群》。Hisham Mayet是美国大名鼎鼎的世界音乐厂牌Sublime Frequencies主理人之一，以深入地球各处记录当地的独特声音为主业。

“跨撒哈拉公路上的音乐社区”不是一个词，只关注摩洛哥马拉喀什杰马夫纳广场上一群群技艺高超的街头艺术家的夜景。戏剧，猴戏，蛇戏，最多音乐。在人们聚集的地方，音乐家们用钢琴和鼓作为舌头兴奋地交谈。不时有围观者加入进来，载歌载舞，即兴的潮流就像一股不可预知的潮流冲向新的方向，席卷了在杰马弗纳广场徘徊了数百年的声音。

明天音乐节办到今年第六届，标榜的先锋比往年呈现更丰富的涵义。格鲁吉亚的女游吟诗人仍牢固地唱古老诗歌，从上世纪七十年代走过来的两位德国电子音乐人和“泡菜摇滚”老爷子们与时俱进，与吉田达也领军的前卫乐团相辉映。尽管地域相隔遥远，却像影片中的马拉喀什街头音乐家们共用一套音乐语言。

中国的马默和丰江舟都有一套噪音美学。前者提供了一种身心洗礼般的体验，盘旋的哈萨克旋律，原始的咆哮和人类与金属打交道以来的各种声音。后者在频闪视觉效果上从2019年迅速下降到混乱的90年代。秋田昌美，一个噪音狂人和日本人，是明天每个音乐节的标配。它提供地狱体验，给人生存的快感。

音乐节三晚跨越时空的音乐体验，大约与马拉喀什的夜广场相当。

阿西克·纳吉尔:这张图片由华侨城提供

Asiq Nargile：女游吟诗人的慨然之歌

“赞美这解药，爱这痛苦。”——《Asiq Kerib》

土耳其语“Asiq”有两种意思。其一是游吟诗人，其二为“奋不顾身地投入爱情的人”，形同完全浸没的狂热状态。

阿西克用钢琴和歌曲的形式到处传播诗歌，覆盖伊朗、高加索和土耳其。阿西克人用铿锵的声音弹奏萨孜琴，唱出英雄史诗和浪漫叙事诗，人称“达斯坦”。

Asiq Nargile遵循这一职业的传统轨迹四处游走，成为欧洲舞台上最知名Asiq之一，在伦敦着名音乐场地Café Oto多次演出，并由其旗下厂牌出版唱片。

进入男性主导的传统领域，阿西克·纳吉尔在童年时期付出了巨大的努力。萨津的琴弦很僵硬，她经常手里拿着血演奏。但是这架钢琴值这个价。如果一个人弹钢琴，就能形成乐队的效果。

萨兹琴的琴弦能作传统弹拨乐器，琴的腔体浑圆厚重，拍击琴身时又能作打击乐器。不过Asiq Nargile演出时好像没有这么做。

现在阿西克·纳吉尔来了，从佐治亚州起伏的地平线来到这里。灯光下，她的面部线条清晰坚韧，颧弓下有美丽的阴影。耳环像片状云母，帽檐上闪烁着一排银碟。她站着表演，一架巨大的钢琴斜挂在她的肩膀和脖子上，琴弦的左手和她的头一样高。过去的女性不被期望如此强大。

达斯坦重要的是叙事功能，萨兹琴也是故事的述说者。听者必须专心且耐心，否则便会错过精彩情节和美好诗句。它不是让人跳舞的，虽然后来也开始出现在节日庆典上，以更强烈的节奏给人欢愉。

阿西克·纳吉尔从小就沉浸在传统的达斯坦民谣中。在成为职业音乐家之前，阿西克·纳吉尔在首都第比利斯以教钢琴为生。成名后，他也写了自己的作品，但无论是诗歌还是旋律都没有受到很多现代音乐的影响。

首次来中国，Nargile带来的爱情叙事诗是关于Asiq克里布和他的爱人莎什南，包含等待、痛苦和希望。思念的火焰烧得愈烈，Nargile的声音就越刚烈，琴声如裂帛。

萨子琴的声音接近琵琶的声音，属于石与石的声音，脆而不动。达斯坦有一种唱法，通过不断挤压人声发出单个音高的声音。男阿西克经常发出像眼泪一样的声音，而阿西克·纳吉尔则有战歌的优雅。她掌握着每一个连续的语调表达，使它们相似，但承载着微妙的情感变化。哀而不伤是人类的普遍情感。

她的萨兹琴独奏部分也精彩，一个主题有万千变化。琴声直接，不惧怕到达最深处。急速拨动琴弦时地动山摇，就是有这样深重的情感。

拜拜

Byetone：“这是有生理反应的演出”

Byetone第一次上场就来决斗，低频的震动扰乱了一动不动的空呼吸。裤子在大腿上颤抖着，麻酥酥的。

他的现场像天地玄黄，宇宙洪荒。从单纯的声波震动开始，节奏渐入。天和地分开后，滋生的噪音和电子节拍各行其是，组成基本架构。

“他不应该想让你跳舞。”有观众的窃窃私语。

也不是真的不能跳，不过这种极简电子的律动更适合勾起魂灵出窍，体验精神入迷。

拜尔通，奥拉夫·本德，德国电子音响工厂Raster-Noton的创始人之一。本德在柏林墙倒塌前的东德长大，起初对影像很着迷。在学校找到的16毫米胶片是他的入门玩具。Blender有一种特殊的玩法。他直接把几何图形刻在电影上，让电影在录制前有自己的秘密语言。1988年，他联系了当时的东德地下乐队AG Geige，成为其中一员，从而获得了音乐技能。家用电脑的出现让像他这样的自学者不用乐器就能制作音乐，多媒体作品的诞生也只是理所当然的事情。

1999年Raster-Noton成立，动机是Bender与伙伴Frank Bretschneider、Carsten Nicolai虽然都做电子，但发现自己与俱乐部跳舞的电子并非同路人。要出唱片，只好自己成立厂牌。战后的德国一代曾饱尝文化边缘之苦，青年们总想做出与欧美不一样的声音。

Raster-Noton做的不仅仅是音乐，其商业项目包括装置艺术和视觉艺术，寻找科学、艺术和音乐的交汇点。

Olaf Bender自2008年开始以Byetone名义发表个人作品。他创造的声音很具辨识度，极简节奏打底，电噪循环往复无穷。摇滚导向，但是被抽掉了任何不必要的装饰，是电子里面近工业的那一派。

场景视觉在黑色背景的大屏幕上围绕白光带变化。光带是电波的化身，流水般流淌，偶尔喷涌出耀眼的白光，与双节奏线一起到达高潮。

Byetone对音色的选择也值得称道。他精挑细选出不超出人类日常经验的声音，作为现实与抽象连接的桥梁。木鱼声、风声、蝉鸣、直升机、卡车喇叭、丧钟……它们像回忆的闪回。有人高高举起双手，仿佛在飒飒电噪中感受到穿过山谷的风。

课间休息后，人群中有一句话:“这是一场有生理反应的表演。”

秋田昌美

Merzbow：你的耳朵还好吗？

在秋田昌美表演之前，工作人员在入口处分发了耳塞。

Merzbow本名秋田昌美，1956年出生于日本，长久以来以Merzbow的艺名独步噪音世界。

他演的是接近纯粹精神体验的噪音派，也就是说他不用费心去找节奏或者逻辑。你应该放下期待，张开耳朵，接受金属废料山倾倒在你身上的壮观景象。

大学学习美术期间，秋田昌美接触到超现实主义和达达主义，深以为然。他决定继承达达主义拒绝传统美学，无视高深理论和深刻意义，以手边能接触到的材料为介质，发出让人极度不适、头痛欲裂的声音。

“秋田昌美”这个名字是为了纪念前卫艺术家库尔特·施威特斯的作品“梅兹堡”。

达达主义存在的时间短暂，但影响不绝。消解了传统艺术的魅力之后，它提出新的问题：艺术是什么？如果方法都不重要，重要的是什么？一不小心，就会陷入虚无主义的陷阱。

秋田昌美发现了噪音。"使用噪音使我的创作成为伴随意识的机械行为."

如果你第一次听秋田昌美的音乐，会错觉是否磁带坏掉，唱盘磨损。不要惊讶，他早期正是爱用磁带创作，将之作为乐器使用。后来开始收集大量的破旧电子设备、损坏的吉他等等，遵循达达主义一切都能作为素材的态度。

电子设备中的“反馈”效应产生巨大且不可预测的风暴效应，“仿佛带有强烈的性暗示”。默兹保还有另一个名字:“激情秘密教堂”。

超级高产的秋田昌美，发表作品超过百张。归拢一下，磁带老鼠般的吱吱声、金属的摩擦打击声、连续回响、你能想到各种噪音。进入电脑时代后秋田昌美与时俱进，继续创造新的电子噪音。

但他偶尔会表现出友好的一面，留下节奏的线索或连续音符的轨迹，让你不会完全迷失。

我把耳塞拿掉了一会儿，感官顿时锐利，眼前世界也变清晰。但音量巨大，难以持久。秋田昌美的耳朵还好吗？

古德龙·古特

Gudrun Gut：把四十年柏林艺术化作电波和低语

穿梭柏林艺术界40年，有音乐、戏剧、视觉艺术、展览、DJ、广播节目等不同门类。精力充沛的古德润肠道是一个优秀的广告，展示了女性的精力和才华，而没有谈论女权。

1997年她创立厂牌Monika Enterprise，用来推广德国以及来自世界各地的女性独立音乐人。厂牌的风格多样，涵盖流行电子、独立电子、智能舞曲和极简科技舞曲。阿富汗第一支女子摇滚乐团Burka Band也是Monika Enterprise旗下一员，罩袍遮身，身处危险和神秘中，拼命发出自己的声音。

古德龙·古特是传奇乐队Einstürzende Neubauten的早期成员，后来组建了马尼亚d .和疟疾！以及斗牛士和其他朋克乐队和实验性的电子乐队，第一张个人专辑最晚在2007年发行。

风格鲜明，是她一贯热爱的极简电子舞曲，旋律和念白巧妙、干净、时髦，透出私密氛围。这位女朋克一生保持轻盈身姿，连首张个人专辑都像小鸟轻轻飞过，只在很少的歌里里留下可以辨认的旋律。

她的现场同录音室专辑如出一辙，幽黯，声音低沉，不用VJ补充感官体验。连旋律都飞走后的人声低语最迷人，空间中只剩电流声和沙沙的人声。很舒服，但舒服之下有一双小爪子轻轻抓挠，因此总不能完全没入温暖的海水。